Kamera-Eigenschaften – Weißabgleich

Eine der erstaunlichsten Leistungen des menschlichen Auges ist, Farben unabhängig vom umgebenden Lichttyp richtig sehen zu können. Das kann weder ein analoger Film noch eine digitale Kamera. Beim Fotografieren mit einer digitalen Kamera muss diese auf die aktuelle Lichtsituation, sprich Farbtemperatur, eingestellt werden, das nennt man Weißabgleich.
Falls man allerdings Bilddaten im RAW-Format aufnimmt, ist der Weißabgleich in der Kamera nicht von großer Bedeutung, da er auch nach der Aufnahme per RAW-Konverter-Software im Computer verändert werden kann.
Heutzutage verfügen fast alle Kameras über einen ausgezeichneten automatischen Weißabgleich. Dennoch gibt es Situationen, in denen diese Automatik durch Bildteile fehlgeleitet wird. Viele Kameras verfügen über eine Auswahl an Weißabgleichsvoreinstellungen für bestimmte Lichtsituationen wie z.B. Sonnenschein, Bewölkung, Blitzlicht, Neonlicht usw. Viele Modelle bieten auch an, den Weißabgleich manuell vorzunehmen.
Da die Einstellung des Weißabgleichs für eine bestimmte Lichtsituation vorgenommen wird und diese sich meist nicht schnell und drastisch ändert, z.B. bei Studioaufnahmen, ist eine ebenso schnelle Bedienbarkeit wie bei der Belichtungskorrektur oder anderen Belichtungsparametern nicht so wichtig. Trotzdem sollte die Einstellmöglichkeit des Weißabgleichs nicht zu tief im Kameramenü versteckt sein.

Im Nordpark mit Carmen

Outdoor-Shooting mit Carmen im Nordpark DüsseldorfNachdem Carmen beim Schnee-Shooting aus Termingründen nicht teilnehmen konnte, haben wir jetzt die Zeit und ersten Frühlingstage genutzt, für unser erstes Foto-Shooting 2010. 🙂
Da aktuell die Landschaft allgemein noch nicht sehr grün ist, und auch noch wenig Blumen blühen, habe ich als Location den Nordpark in Düsseldorf ausgesucht. Dort gibt es neben den üblichen Grünanlagen und Blumenbeeten eben auch genügend andere Kulissen wie Springbrunnen, Wasserspiele, Steinarkarden oder den japanischen Garten. Damit hatten wir reichlich Auswahl für unterschiedliche Szenen bei unserem „Foto-Spaziergang“. Diese kurzen Outdoor-Shootings mit einer Dauer von ca. 1,5 bis 2 Stunden reichen mir in den meisten Fällen vollkommen aus. Vor allem dann wenn man entweder ein neues Model kennenlernen oder eine neue Location testen möchte. 😉 Außerdem ist es abwechselungsreicher, wenn ich wie in diesem Fall mit demselben Fotomodel häufiger zusammenarbeite. Wir können dieselben Aufnahmeorte zu verschiedenen Jahreszeiten besuchen, und finden im Regelfall unterschiedliche Aufnahmebedingugen vor. Abgesehen davon, kann ich das Model in verschiedenen Outfits passend zur Umgebung und Saison aufnehmen. Ich bevorzuge eben den einfachen Weg, es wäre natürlich auch möglich im Sommer Aufnahmen mit Wintermantel zu machen, und per Bildbearbeitung für eine Winterkulisse zu sorgen. 😉
Outdoor-Shooting mit Carmen im Nordpark DüsseldorfMit dem Wetter hatten wir Glück, obwohl Regen vorhergesagt war, blieb es die ganze Zeit über trocken. Zwischendurch schien sogar immer wieder die Sonne, was sogar etwas nachteilig gewesen ist, fotogafisch betrachtet. Die ständigen Wechsel der Lichtverhältnisse erschwerten ein wenig die Aufnahmebedingungen, deshalb nutze ich immer das RAW-Format bei Foto-Shootings. Damit habe ich die Möglichkeit, im nachhinein bei der Bildbearbeitung leichte „Belichtungsfehler“ einfacher zu korrigieren. Gerade bei Outdoor-Aufnahmen kann es schnell passieren, daß sich während der Aufnahme die Lichtverhältnisse ändern. Da verschwindet eben die Sonne ein wenig hinter den Wolken, oder kommt wieder hervor, so daß man es vielleicht gar nicht immer sofort bemerkt. Man konzentriert sich auf den Aufnahme, und achtet dabei zwar auf den Bildausschnitt, das Model, die Pose und den Hintergrund, aber die Abweichung zu den zuvor gewählten Belichtungswerten fällt nicht auf. 🙁 Plötzliche Lichtwechsel bemerkt man hingegen sofort, spätestens dann, wenn es irgendwie dunkel wird um einen herum oder das Model blinzelt bzw. die Augen zukneift, weil die Sonne blendet. 😉 Jenachdem wie groß die Wolke ist, die vorbeizieht, wartet man entweder ab oder stellt neue Belichtungswerte ein. In diesen Situationen ist die Arbeit Draußen eben etwas aufwendiger als im Studio, dort hat man kontrollierte Lichtverhältnisse.
Outdoor-Shooting mit Carmen im Nordpark DüsseldorfIch habe auch wieder den Aufsteckbliz verwendet, um Spitzlichter in die Augen zu bekommen, dadurch wirkt das Bild einfach lebhafter. Große Wechsel der Kleidung waren auch bei diesem Shooting nicht geplant, trotzdem ist es sinnvoll, wenn das Model Accessoires oder eine weitere Jacke mitbringt, um eventuell je nach Hintergrund eine farbliche Variante in der Kleidung verfügbar zu haben. Bei diesem Shooting paßte Carmens neutrales schwarze Oberteil gut zur Umgebung und die türkisfarbene Jacke harmonierte mit dem gelb-grünen Baum. 🙂
Nach den vielen Shootings in den verschiedenen Parks, werde ich jetzt nach anderen Location-Möglichkeiten suchen. Man sollte den Models hin und wieder eine neue Herausforderung bieten, damit es nicht langweilig wird. 😉 Es bietet sich vielleicht eine städtische Umgebung an wie die Altstadt oder Königsallee in Düsseldorf, eventuell auch der Medienhafen. Interessant ist sicher auch eine Industriebrache wie der Landschaftspark Duisburg. Und der Innenhafen bietet ebenfalls noch ein paar Shooting-Möglichkeiten.
Nachdem ich bereits etliche Requisiten besorgt habe, und auch schon am „Drehbuch“ arbeite, nimmt jetzt das Abenteuer-Shooting an der Burg Linn langsam Form an. Auch einen Termin habe ich bereits ins Auge gefaßt, so daß ich nun nach den Fotomodellen und einer Visagistin suchen kann. 🙂

Fotomodel Carmen: Sedcard Model-Kartei

Arbeitsablauf (3) – Bilder „entwickeln“

Nachdem man nun die Bilder halbwegs organisiert auf der Festplatte hat, geht es an die grundsätzliche Bearbeitung. Das Ganze ist in etwa vergleichbar mit der Entwicklung eines Negativfilms früherer Tage. Auch wenn viele Hobbyfotografen der Meinung sind, das Bild kommt fertig aus der Kamera, man kann es sich ja sofort anschauen, so ist doch eine gewisse Grundbearbeitung notwendig, um aus der Bilddatei ein richtiges Foto zu machen. Vor allem dann, wenn man im RAW-Format fotografiert. Dieses Format entspricht tatsächlich noch weitestgehend dem Negativ, im Gegensatz zum JPG-Format.
Über die Wahl zwischen RAW- oder JPG-Aufnahmeformat wird fast genauso ideologisch verbissen gestritten wie über die Ausrüstung, ob nun von Canon oder Nikon. Fakt ist, im RAW-Format hat man einfach mehr Spielraum was die Qualitätsverluste bei der Verarbeitung angeht, sowie mehr Möglichkeiten verlorengegangene Bildinformationen bei Über- oder Unterbelichtungen wieder zu rekonstruieren. Andererseits kann man eine qualitativ gute Kamera auch so einstellen, daß man sehr gute JPG-Bilder erhalten kann, die in bestimmten Situationen vollkommen ausreichend sind. Hierzu zählen die berühmten Urlaubsfotos oder auch die Schnappschüsse bei Familienfeiern, also alle Situationen, in denen man selten mit seiner kompletten Foto-Ausrüstung unterwegs ist.
Nutzt man das RAW-Format, dann kommt man um eine gewissse Bildentwicklung nicht herum. In Photoshop oder Lightroom gelangt man automatisch in den Camera Raw-Konverter, wenn man ein Bild im RAW-Format aufruft bzw. importiert hat. Erst dann kann man eine Kopie des Bildes in einem allgemeingültigen Format wie z.B. TIFF zur weiteren Bearbeitung in Photoshop öffnen. Der Konverter in Photoshop ähnelt von den Funktionen her mittlerweile sehr der Oberfläche von Lightroom. Anstatt Reiter in Photoshop hat man eine übersichtliche Arbeitsleiste in Lightroom. Diese Funktionsleiste geht man im Grunde von oben nach unten durch, und bearbeitet die Punkte, die notwendig sind.
Als erstes betrachtet man den Weißabgleich. Hier ist es nützlich, wenn man zu Beginn jeder Aufnahmeserie als Farbreferenz ein Bild mit Graukarte gemacht hat. Dann klickt man mit der Farbaufnahme-Pipette einfach auf diese Graukarte, und schon ist der Weißabgleich farbneutral durchgeführt. Wenn man von vornherein weiß, daß man dadurch eine spezielle Lichtstimmung zerstört (z.B. Sonnenuntergang), die man unbedingt erhalten möchte, dann verzichtet man einfach auf diesen Schritt des Weißabgleichs. Es geht erst einmal nur um die grundsätzliche „Bild-Entwicklung“. Spezielle Bearbeitungsschritte werden später in Photoshop gezielt vorgenommen. Dann sind auch wesentlich bessere Werkzeuge wie Ebenen und Masken verfügbar.
Nach dem Weißabgleich schaut man sich das Histogramm an. Reichen die Lichter bzw. Tiefen an den Rand links bzw. rechts heran? Über den Regler „Belichtung“ reguliert man die Helligkeit des Bildes. Mit „Wiederherstellung“ lassen sich bis zu einem gewissen Grad Überbelichtungen korrigieren. Mit dem „Schwarz“-Regler sowie dem „Aufhellen“ kann man die dunklen Bereiche des Bildes anpassen bzw. rekonstruieren. Mit diesen Aktionen führt man eine sog. Tonwertspreizung durch. Auch hierbei werden ggfs. die Feinheiten später in Photoshop eingestellt. Es geht zuerst darum, daß das Bild insgesamt „gut aussieht“. 🙂
Hat man die Belichtung angepaßt, sollte man den Kontrast über die Gradationskurve verändern. Auch hierbei sind vorerst nur moderate Werte gefragt. Man stellt die Kurve nur leicht steil, in dem man in den hellen Bereichen geringe positive Werte einstellt, und in den dunklen Bereichen entsprechend negative Werte. Die Kurve ist in die vier Bereiche eingeteilt, die auch mit den Reglern im Belichtungsbereich angepaßt werden können. Aufgrund der Änderungen im Kontrast kann es durchaus möglich sein, daß man nochmal ein paar leichte Korrekturen in der Belichtung durchzuführen hat, weil die Endbereiche zu stark beeinflußt wurden.
Während man mit der Gradationskurve den Kontrast im gesamten Bild ändert, kann man mit dem Klarheit-Regler den Kontrast im mittleren Tonwertbereich anpassen. Dadurch werden Lichter und Tiefen nicht beeinflusst. Interessant ist auch der Regler für „Lebendigkeit“. Die Bereiche, die bereits eine starke Farbsättigung vorweisen, werden nicht verändert, nur die Bereiche wenig Farbe werden intensiviert. Inwieweit man nun noch die Möglichkeiten der gezielten Farbveränderungen nutzt (Farbton, Sättigung, Luminanz), bleibt jedem selbst überlassen, und hängt sicher auch von der Aufnahme ab. Im Regelfall nutze ich diese Funktion hier nicht.
Dagegen ist eine sogenannte Entwicklungsschärfung nützlich. Spätestens hier stellt man fest, ob das Bild überhaupt scharf genug ist auch in den Details. Die Schärfung sollte in der 1:1-Ansicht vorgenommen werden. Denn dann sieht man bei gedrückter Alt-Taste (unter Windows) die Veränderungen, wenn man die Regler bewegt. So sieht man z.B. die Maske wie unter Photoshop mit ihren schwarzen geschützten Bereichen und den weißen veränderbaren Bereichen. Die Detail-Anzeige erscheint umgekehrt, die schwarzen Konturen zeigen die Details, die geschärft werden, der hellgraue Bereich bleibt unberührt. Die Stärke der Schärfung wird in einem S/W-Bild dargestellt. Da bei diesem Vorgang das Bild noch nicht endgültig bearbeitet ist, und vor allem der Bildauschnitt sowie das Ausgabegerät noch nicht bestimmt sind, sollte man auch hier moderate Werte nehmen, so daß gerade eine Schärfung zu erkennen ist. Endgültig geschärft wird das Bild erst kurz vor der tatsächlichen Ausgabe, dann wenn auch die auszugebene Bildgröße feststeht.
Nach dieser Basis-Bearbeitung hat man normalerweise ein gutes, vorzeigbares Bild, wie man es z.B. dem Fotomodel bzw. Kunden präsentieren kann. Die Feinheiten wie z.B. Mischlicht-Verhältnisse anpassen, eine Portrait-Retusche oder sogar Foto-Montagen bzw. Freistellungen werden dann in Photoshop vorgenommen.

Von der Aufnahme bis zum fertigen Bild

Egal was und wieviel man fotografiert, es ergibt sich automatisch ein Basis-Workflow, dem der Hobbyfotograf oft unbewußt und der Fortgeschrittene meistens gezielt folgt.

  • Zuerst wird man immer die Bilder aus der Kamera bzw. von der Speicherkarte auf den Computer laden.
  • Im Regelfall wird man die Bilder unbenennen. Selten behält man die nichtssagende Namensnennung der Kamera. Mit z.B. img3256.cr2 wird man auf Dauer nicht viel anfangen können.
  • Den Bildern sollte man gewisse Metadaten hinzufügen, dazu gehören z.B. Fotografen-Name, Bildbeschreibung, Basis-Stichwörter und bei kommerzieller Nutzung auch die Kontaktdaten des Fotografen.
  • Nachdem alle Bilder auf dem Computer vorhanden sind, wird man in erster Durchsicht die Kandidaten ermitteln, die sofort gelöscht werden können. Dazu gehören Testaufnahmen, die man zur Belichtungsermittlung gemacht hat, unscharfe Fotos oder auch Bilder, auf denen man dem Model Gliedmaße abgetrennt hat, und die auch mit anderem Bildschnitt nicht mehr verwertbar sind.
  • Hat man alle Bilder ausgesucht, die man vorerst behalten möchte, fügt man nun im weiteren Durchlauf genauere Stichwörter und Suchbegriffe hinzu.
  • Nach der Organisation der Bilder erfolgt nun die erste Basis-Entwicklung. Grundlegend wird der Weißabgleich eventuell korrigiert bzw. angepaßt, sowie die Belichtung, Kontrast und Entwicklungsschärfe eingestellt, so daß die Bilder „gut aussehen“ und für eine erste Präsentation geeignet sind, um sie z.B. dem Model zur Auswahl vorzulegen.
  • Spätestens jetzt sollte man die Bilder archivieren, d.h., sichern. Im Idealfall erfolgt eine Sicherung auf eine externe Festplatte. Hier bietet sich die Gelegenheit, das RAW-Format zusätzlich in ein DNG-Format umzuwandeln, um auch noch in weitentfernter Zukunft ein allgemeingültiges Dateiformat zu haben. Man weiß ja nie, welcher Anbieter bzw. welches Dateiformat überleben wird. Vielleicht wird das spezielle RAW-Format des Kamera-Herstellers eines Tages gar nicht mehr von einer Software unterstützt.

Ich nutze für diesen Arbeitsablauf Lightroom, weil ich mit dem Programm alle Schritte der Reihe nach durchgehen kann. Jenachdem wieviel Bilder man zu verarbeiten hat, kommt man sicher auch mit kostenloser Software zurecht. Womöglich sind dann mehrere unterschiedliche Programme notwendig, aber wenn man nur zwei, drei Mal im Jahr Urlaubsfotos bearbeitet und archiviert, dürfte Lightroom dafür ein zu mächtiges Werkzeug sein, das man nur zum Bruchteil nutzen würde.
In weiteren Artikeln werde ich meinen Workflow in Einzelheiten vorstellen. Er ist sicher nicht allgemeingültig und für jedermann brauchbar, denn es hängt viel davon ab, was und wieviel man fotografiert, aber als Anregung kann er durchaus dienen.

Blauer Schnee

Manchmal wirken Bilder, die man im Schnee aufgenommen hat, kühl und etwas blaustichig. Vor allem an einem wolkenlosen Tag wird das Himmelsblau vom Schnee reflektiert und taucht so das Bild in einen leichten Blauton. Das menschliche Auge filtert diesen Blaustich heraus, da man weiß, das Schnee weiß ist. Auf einem Foto ist dieser Farbstich allerdings bemerkbar, da hier die „technischen“ Bedingungen für eine Kompensierung fehlen.
Gerade bei Winterfotos muß dieser Farbstich nicht zwingend störend wirken, da er ja auch Kälte symbolisiert und damit zur Stimmung des Bilds beitragen kann. Falls der Blaustich zu stark ist oder aus anderen Gründen stört, kann man ihn nachträglich bei der Bildbearbeitung durch Setzen des Weißtons schnell korrigieren. Beim Fotografieren im RAW-Format braucht man sich nicht zu sehr um den Weißabgleich kümmern, da er verlustfrei im Nachhinein bei der Konvertierung durchgeführt werden kann. Andererseits sollte man schon darauf achten das Originalbild so korrekt wie möglich bzw. wie gewünscht aufzunehmen, damit man die nachträgliche Bildbearbeitung so gering wie nötig halten kann. 😉
Warum mehr Arbeit verursachen als unbedingt notwendig.